Die Geschichte des Zeichnens

Wenn ein Anfänger mit dem Zeichnen beginnt, stellt er bald fest, dass es keine einheitliche Methode gibt, sein Zeichentalent auszudrücken. Die verschiedenen künstlerischen Techniken und Praktiken haben sich im Laufe der Zeit enorm weiterentwickelt, und von der primitiven Kunst bis zum realistischen Stillleben, über die Gravur, den Comic oder die zeitgenössische Kunst gibt es eine Vielzahl von Stilen, von denen sich moderne Künstler noch immer inspirieren lassen. Die an den Kunsthochschulen gelehrten Disziplinen vermitteln Kenntnisse über die Entwicklung der künstlerischen Praxis, so dass die Studierenden innovative grafische Kunstwerke entwerfen können, die sich auf eine Vielzahl von Einflüssen stützen. Der Besuch von Museen und Ausstellungen, sowohl von allgemeiner Kunst wie dem Louvre als auch von moderner Kunst wie dem Museum für primitive Kunst und anderen Sammlungen, ermöglicht es den Schülern, die verschiedenen künstlerischen Strömungen zu entdecken und zu verstehen, die die Geschichte geprägt haben und die ihnen die Grundlagen des Zeichnens vermitteln. Es gibt nicht nur eine Art zu zeichnen, und es ist wichtig, die Geschichte der Kunst zu entdecken, um das Zeichnen in seiner Gesamtheit zu lernen und kreativ zu sein.

Materialien und Hilfsmittel, die sich weiterentwickelt haben

Zu Beginn der Geschichte war die Papierherstellung den Menschen nicht bekannt. Der frühe Mensch schuf seine Kunst und Zeichnungen direkt auf Felsen und Mauern, wobei er Farben aus natürlichen Elementen verwendete. Die Zeichnung musste daher an die Oberfläche angepasst werden, und die Präzision, die mit so rudimentären Werkzeugen wie der eigenen Hand oder anderen in Farbe getauchten Steinen und Stöcken erreicht werden konnte, hing sehr stark von dem Medium ab, auf dem man zeichnete. Mit der Erfindung des Papyrus im alten Ägypten fand eine erste Entwicklung statt. Diese aus Pflanzen hergestellten Blätter ermöglichten die Entwicklung echter Schreib- und Zeichengeräte mit einem primitiven Pinsel, der in natürliche Tinte getaucht wurde und präziseres Schreiben und Zeichnen ermöglichte. In der Antike war die Verwendung von Wachstafeln jedoch noch weit verbreitet, und das Papier, wie wir es kennen, kam erst im zweiten Jahrhundert aus China. Von da an entwickelten sich die Techniken der Papierherstellung und gleichzeitig die Schreib- und Zeichengeräte: Silberspitzen, Füllfederhalter, Graphitstift usw. Heute ist der Graphitstift (oder Papierbleistift) aufgrund seiner niedrigen Herstellungskosten und seiner praktischen Anwendung die bevorzugte Methode zum Zeichnen geworden. Doch mit dem Aufkommen der Computer- und Informationstechnologie erscheinen immer mehr Grafiktabletts. Sie ermöglichen das Zeichnen mit einer Grafiksoftware, dank einer Arbeitsunterlage, die dem Zeichenblatt entspricht, und einem digitalen Eingabestift. Diese neuen Geräte ermöglichen es nun, die eigene Arbeit zu computerisieren, sie dank des Internets mit möglichst vielen Menschen zu teilen und dank der digitalen Pinsel, die von der Grafiksoftware zur Verfügung gestellt werden, viele Techniken, die im Laufe der Geschichte des Zeichnens entwickelt wurden, mit geringem Materialaufwand anzuwenden. Sie hat auch zu einer neuen Arbeitsweise geführt, bei der die Augen nicht mehr auf die Bleistiftspitze, sondern auf den Computerbildschirm gerichtet sind, so dass man das, was man zeichnet, in Echtzeit sehen kann. Nach 2.000 Jahren Kultur des Schreibens und Zeichnens auf Papier ist diese Hand-Augen-Koordination für den Designer, der mit digitalen Geräten anfängt, nicht die natürlichste. Deshalb bieten hybride Grafiktabletts, sogenannte Scanner, wie das Repaper von ISKN, traditionelles Zeichnen dank eines direkt auf dem Tablet befestigten Blattes Papier und eines normalen Bleistifts, der mit einem magnetischen Ring ausgestattet ist, der alle seine Bewegungen bis ins kleinste Detail auf das Grafikgerät überträgt. Mit dieser Art von Werkzeug ist es möglich, das Zeichnen auf Papier mit den Vorteilen der digitalen Technologie zu kombinieren. Papier hat noch einen langen Weg vor sich und bleibt die natürlichste Art, mit Zeichnungen zu arbeiten.

Die Geschichte der Zeichnung in einzelnen Epochen

Vorgeschichte: Die Anfänge der Grafik

Die ersten Zeichnungen der Menschheit, die bei einer archäologischen Mission entdeckt wurden, sind schätzungsweise über 70.000 Jahre alt. Die Praxis des Zeichnens war zu dieser Zeit noch völlig primitiv und entsprach eher einfachen geometrischen Formen als einer wirklichen Darstellung von Gegenständen oder lebenden Organismen. Eine erste Entwicklung des Zeichnens war beispielsweise bei den Höhlen von Lascaux zu beobachten, wo sich die Grundzüge der grafischen Kunst abzeichneten. Diese Illustrationen, Symbole für die Ausübung einer primitiven Kunst und in der Archäologie hervorgehoben, werden die Grundlage der künstlerischen und bildlichen Techniken sein, die die Geschichte der Menschheit begleiten werden. Den Archäologen zufolge wurden die Werke damals nicht mit dem Ziel angefertigt, eine künstlerische Zeichnung anzufertigen, sondern um Szenen aus dem Leben zu erzählen, da es zu dieser Zeit noch keine Schrift gab. So finden wir Jagdszenen und viele Werke der figurativen Kunst, die Tiere oder anthropomorphe Darstellungen zeigen. Es liegt auf der Hand, dass sich die primitive Kunst in einem so langen Zeitraum nicht auf das eben Gesagte reduzieren lässt, und es ist interessant, ein Museum zu besuchen, das eine Dauerausstellung zu diesem Thema beherbergt, um alle ihre Facetten zu entdecken.

Die Antike: eine künstlerische Produktion, die im Fokus steht

Seit der Antike wurde das Zeichnen hauptsächlich für praktische Zwecke verwendet. Die Zeichnung diente in erster Linie dazu, sich verständlich zu machen, zunächst in der mesopotamischen Keilschrift, die sich bildlicher Symbole bediente, oder in den Hieroglyphen, die man als Bilderschrift bezeichnen kann, und sie wurde auch weiterhin verwendet, um Szenen des täglichen Lebens oder große mythologische Passagen zu erzählen, wobei Elemente und Körper ohne Perspektive gezeichnet wurden, die Büste oft vorne und der Kopf im Profil. Doch allmählich werden diese Geschichten als Dekoration auf Alltagsgegenständen wie Töpferwaren, verschiedenen Objekten oder sogar auf großformatigen Wandgemälden verwendet. Die Zeichnung wurde also immer dekorativer, mit einem künstlerischen Zweck, aber auch präziser, da sich die Werkzeuge weiterentwickelten und die Metallspitze (oft aus einer Legierung aus Silber und Kupfer) in den Arbeiten an Feinheit gewinnen konnte. Die Antike ist auch eine Periode in der Geschichte, in der die Kunst stark betont wurde. Es entstanden zahlreiche Schulen für Bildhauerei und Zeichnen, die über mehrere tausend Jahre hinweg zu einer großen Verbesserung der Techniken führten.

Das frühe Mittelalter: Zeichnen im Zeichen der Religion

Von den Anfängen bis zur Mitte des Mittelalters wurde die Zeichnung immer realistischer. Die Linien bleiben zwar linear, werden aber zunehmend mit einem Stift, einem Pinsel und immer mit einer Silberspitze gezeichnet. Die Auswirkungen der Schattierung mit Schraffur werden allmählich sichtbar, ebenso wie die Wiege der Perspektive, die am Ende dieser Epoche entwickelt wurde. Die Proportionen der Körper scheinen in mancher Hinsicht noch unsicher zu sein, aber die Details werden präziser, mit Drapierungseffekten an der Kleidung oder den Bewegungen, die auch in den Posen der Figuren vielfältiger sind. Dies ist auch die Zeit der Erleuchtung. Auf den Büchern, die als besonders wertvoll gelten, sind die Texte mit zahlreichen Illustrationen geschmückt, die in die Kategorie der dekorativen Kunst fallen. Diese Kunstgattung war zu dieser Zeit sehr verbreitet, wobei die Zeichnung vor allem dazu diente, die Bedeutung der Religion zu veranschaulichen, da die Menschen zu dieser Zeit oft weder lesen noch schreiben konnten. Sie war daher ein hervorragendes Kommunikationsmittel für Prediger, und die Kunst- oder Zeichenschule, um das Zeichnen zu erlernen, war hauptsächlich religiösen Menschen vorbehalten. Dieser Einfluss zeigt sich in der Malerei und Zeichnung der damaligen Zeit mit einem künstlerischen Modell, das Gott in den Mittelpunkt stellt und dem Menschen als solchem wenig Platz einräumt.

Die Renaissance: eine große Revolution und eine Rückkehr zu den Wurzeln

Am Ende des Mittelalters erfuhren alle grafischen Künste eine Verfeinerung, die zu einer echten Revolution in der Art und Weise, wie gezeichnet wurde, führte. Die Lehre der Künste wurde außerhalb der Kirche vereinheitlicht, und eine Entwicklung des Denkens sowie neue Werkzeuge wie Graphit, Kohle oder Schwarzsteinstift führten zur Entwicklung des Zeichnens und der Malerei. In dieser Zeit wurde die dekorative Kunst des Mittelalters, deren Aufgabe es war, die Religion zu verbreiten, allmählich durch kunstvollere Bilder ersetzt, die bewundert werden sollten. Es entstanden zahlreiche Kunstschulen und Werkstätten, und die Teilnahme am Zeichenunterricht wurde zum Privileg des Adels. Die Faszination der Künstler dieser Zeit für die Antike führte zu einem fortgeschrittenen Studium des menschlichen Körpers und der Naturgeschichte. Die großen Kunstschulen der damaligen Zeit folgten dieser Philosophie, und das Erlernen des Zeichnens stützte sich zunehmend auf lebende Modelle, um den Bleistiftstrich zu perfektionieren, zu malen und realistische Skizzen zu zeichnen. Schatten, Tiefe, Perspektive und die Suche nach perfekten Proportionen standen im Mittelpunkt dieser Zeit. In der Renaissance entstanden großartige Zeichnungen und Gemälde, die Szenen aus der Bibel darstellten und deren Hauptfiguren in einem von antiken Statuen inspirierten Stil vermenschlicht wurden, und die Aufträge für realistische Porträts durch den Adel wurden immer häufiger. Viele der Werke aus dieser Zeit wurden in einer bemerkenswerten Technik geschaffen, und viele von ihnen finden sich in Museumssammlungen sowie in den berühmtesten Gebäuden dieser Zeit, wie z. B. in den Kuppeln der Kathedralen, die in dieser Zeit gebaut wurden.

Vom 17. bis zum 20. Jahrhundert: Das Zeichnen wird populär

Die Kunst des Zeichnens und Malens erreichte in der Renaissance ihren Höhepunkt und blieb in dieser Zeit in den Händen des Adels, der über die Mittel verfügte, sich in den grafischen Künsten auszubilden. Aber erst mit dem Aufkommen des Graphits wurde das Zeichnen in vielen Gesellschaftsschichten populär. Viele Künstler aus der Arbeiterklasse oder dem ehemaligen Bürgertum, die ihren hervorragenden Ruf verloren hatten, tauchten auf. So entwickelten sich aus der klassischen Zeichnung und Malerei, die sich direkt von der Renaissance ableitet, andere Stile wie der Impressionismus und der Postimpressionismus. Der Mensch wurde immer weniger romantisch dargestellt, und die Elemente des täglichen Lebens standen immer mehr im Mittelpunkt der Skizzen der Zeichner. Die moderne Malerei wird mit den Codes des 19. und 20. Jahrhunderts brechen, mit innovativer, manchmal abstrakter Malerei, und die Zeichnung wird ihren Platz als wichtige Kunstform einnehmen, indem sie sich entwickelt, insbesondere in der Presse, aber auch in Comics und Manga.

Und heute ?

Wie die Entwicklung der Zeichenmittel und -geräte gezeigt hat, steht das Zeichnen heute allen offen, und es ist möglich, ohne Zeichenkurse, Malkurse oder spezielle Kunstkurse Mischtechniken zu praktizieren, bei denen die Graphitstiftzeichnung mit der Wiedergabe von Ölfarbe, Kohle oder sogar Gravur kombiniert wird. Dies ist insbesondere den Grafiktabletts und all den neuen Computerprogrammen zu verdanken, die es Illustratoren, ob Anfänger oder nicht, ermöglichen, eine Skizze ohne Grenzen zu erstellen, nur mit ihrer digitalen Arbeitsfläche und einem Stylus. Auch wenn sich das Zeichnen vor allem im Zuge der Anpassung an die digitale Grafik und die Arbeit der Computerdesigner entwickelt hat, ist der Beruf des Illustrators heute nicht mehr nur mit dem Computer verbunden, und viele Menschen möchten weiterhin Papier verwenden, da die primitiven Empfindungen, die der Bleistift in Verbindung mit einem normalen Blatt Papier vermittelt, für den Menschen nach wie vor am natürlichsten sind. Dies zeigt sich insbesondere bei Comiczeichnern oder Mangaka (Manga-Zeichner), die traditionelle Werkzeuge zum Zeichnen ihrer Tafeln verwenden, aber auch bei der Einführung von hybriden Grafiktabletts wie dem Repaper von ISKN, die eine Verbindung zwischen Digitaltechnik und Papier herstellen, indem sie das Zeichnen auf einem normalen Blatt Papier ermöglichen, während die Skizze in der digitalen Software perfekt wiedergegeben wird. Um heute Illustrator oder Designer zu werden und zu wissen, wie man zeichnet, muss man alle Techniken der Vergangenheit und alle traditionellen Besonderheiten erlernen, um eine Mischung von Fähigkeiten zu erreichen, die innovative und moderne Ergebnisse liefert. Aber der Zeichner muss auch die digitale Welt kennen lernen, denn das Internet wird unentbehrlich, wenn er sein Werk der Welt zeigen will, da digitale Plattformen zunehmend Kunstgalerien und Museen ersetzen, um Sichtbarkeit und Bekanntheit zu erlangen.

Schlussfolgerung

Das Zeichnen hat im Laufe der Zeit eine große Entwicklung durchgemacht. Heute haben wir die totale Freiheit, Zeichnungen aller Art zu erlernen und zu erstellen, vor allem dank der digitalen Technologie, die uns den Zugang zu vielen Werkzeugen mit wenig Ausrüstung ermöglicht. Allerdings gab es im Laufe der Geschichte wichtige Trends, die sich parallel zu den Geräten, die den Künstlern jeder Epoche zur Verfügung standen, entwickelt haben. Um kreativ zu bleiben, ist es daher notwendig, einen offenen Geist zu bewahren, und die Beherrschung moderner Werkzeuge kann ein echtes Plus sein.